La formation d'Eòlia CSAD comprend des techniques et des styles de travail constamment renouvelés pour aider l'étudiant à donner une base solide et professionnelle à sa vocation artistique, et dispose d'une équipe pédagogique composée majoritairement de professionnels du spectacle, actifs et de haut niveau.
EÒLIA CSAD, dans le domaine de l'art dramatique, a construit son identité par un dialogue constant avec le monde professionnel. Acteurs, comédiens, dramaturges, metteurs en scène et réalisateurs participent activement à la vie de l'école, partageant la salle de classe comme un espace d'apprentissage, de recherche et de transmission, tant par la pratique pédagogique que par le contact direct avec la scène et l'audiovisuel contemporains.
La formation d'interprétation d'EÒLIA repose sur une approche éclectique et ouverte, intégrant diverses techniques, esthétiques et méthodologies dans une évolution constante. Inspirée par des références telles que Declan Donnellan, Michael Chekhov et la méthode Daulte, elle conçoit l'interprétation comme un processus vivant qui articule corps, imagination, action et relation à l'autre. Cette pluralité ne vise pas l'accumulation de ressources, mais l'enrichissement conscient du registre interprétatif de chaque étudiant.
Le travail d’interprétation couvre à la fois la scène et la caméra, en tenant compte des spécificités du théâtre, du cinéma et de la télévision. L’école défend une interprétation engagée dans la présence, l’écoute et la vérité, capable de s’adapter aux différentes langues sans perdre son authenticité. Accompagner les étudiants, c’est les aider à reconnaître leur singularité, à prendre des risques et à construire leur propre voix d’interprètes et de créateurs, prêts à communiquer, à captiver et à dialoguer avec leur époque et avec le public.
Josep Galindo, Chef du département d'interprétation.
Dramaturgie et mise en scène : architecture invisible
La dramaturgie et la mise en scène sont les deux disciplines qui permettent de concevoir (dramaturgie) et de concrétiser et d'orchestrer (mise en scène) l'entrelacement complexe des codes – linguistiques, non verbaux, spatiaux, visuels, auditifs… – qui convergent dans l'acte scénique. Leur objectif est de provoquer chez chaque spectateur – qui a la particularité de se manifester collectivement en tant que public d'un événement éphémère – une expérience intellectuelle et esthétique à la fois personnelle et sociale.
Plus précisément, la dramaturgie est le processus de réflexion, de conception, d'invention, de conceptualisation, de symbolisation et de métaphorisation de tous les éléments scéniques. Ce processus se développe à chaque étape de la création et implique la participation de chacun des créateurs : auteur, dramaturge, metteur en scène, scénographe, concepteur lumière, costumier, compositeur, interprètes… En bref, la dramaturgie totale désigne l'ensemble des stratégies mises en œuvre par tous les créateurs réunis autour d'un événement scénique qui est, par essence, une création collective.
La mise en scène consiste à susciter, coordonner et harmoniser les contributions de tous les créateurs impliqués dans la construction du spectacle. Une bonne connaissance de la diversité des codes est particulièrement importante pour le metteur en scène. Susciter une réaction esthétique et idéologique spécifique chez le public est, en définitive, sa responsabilité et son objectif principal.
L'école Eòlia conçoit la pédagogie théâtrale, tant en dramaturgie qu'en mise en scène, comme un processus d'intériorisation d'outils théoriques et pratiques, de maîtrise des techniques du métier et de développement d'habitudes mentales favorisant l'expression de l'intuition scénique du créateur au sein de l'équipe créative. L'objectif ultime est d'acquérir les compétences nécessaires pour obtenir, individuellement et collectivement, lors des ateliers et des répétitions, les meilleurs résultats possibles sur scène.
Au sein du cursus de dramaturgie et de mise en scène, les matières théoriques (axées à la fois sur la dramaturgie – réflexion créative – et la mise en scène – stratégies scéniques –) sont complétées par des matières théoriques et pratiques, spécifiquement orientées vers la dramaturgie (entendue ici comme le développement du texte dramatique et/ou scénique) ou vers la mise en scène (entendue ici comme la planification de la mise en scène et la direction des acteurs). Cependant, le cœur de la formation est éminemment pratique et s'articule autour des stages semestriels (conçus comme un espace de liberté créative pour l'étudiant et fonctionnant comme un enseignement tutoré, mais sans enseignant attitré) où les acquis de chaque semestre sont mis en pratique et expérimentés en toute autonomie, dans le but de développer chez l'étudiant un langage esthétique et une perspective idéologique personnels.
Pablo Ley, Chef du département de la direction scénique et de la dramaturgie.
Le travail corporel est l'un des fondements de la formation de l'artiste interprète. Le parcours du Département Corps et Danse d'Eòlia vise à développer un corps disponible, conscient et expressif, capable d'articuler actions, émotions et imagination avec précision et liberté. L'apprentissage est structuré en quatre modules progressifs qui allient technique, perception et présence scénique. Les bases du mouvement s'appuient sur la conscience corporelle, la respiration, le relâchement et le travail au sol. L'étudiant explore l'économie d'effort, la relation au sol, la musicalité et l'écoute de l'espace et du groupe. Le module se conclut par une création intégrant analyse, composition et interprétation corporelle.
La rigueur de l'entraînement est approfondie et des langages techniques sont intégrés, développant ainsi les capacités physiques et expressives. La technique Horton apporte force et alignement, tandis que des étirements issus du yoga et des principes du Gyrotonic renforcent la mobilité et la proprioception. Barre et centre, isolations, séquences chorégraphiques, phrasé et diagonales sont travaillés dans une perspective fonctionnelle et expressive. La complexité technique et la profondeur expressive sont consolidées.
L'élève enrichit son répertoire avec la danse contemporaine et le jazz moderne, consolide son travail au sol et développe des qualités gestuelles plus spécifiques, ainsi que des séquences longues et exigeantes qui intègrent présence, musicalité et intention dramaturgique. Ce parcours aboutit à l'intégration du corps comme instrument professionnel, dans un travail intégré avec le TF, grâce à un corps mature, disponible et polyvalent.
Le département du corps et de la danse forme des interprètes capables d'écouter, d'imaginer et de créer : un corps pensant, préparé au contexte professionnel contemporain.
Nuria Legarda, Responsable du département Corps et Danse.
Le travail de la voix et de la diction est fondamental pour le développement de l'expressivité scénique de l'artiste. Dans les différents modules du cours d'expression orale, l'objectif n'est pas uniquement l'amélioration technique, mais plutôt de permettre à l'étudiant d'explorer toutes ses ressources expressives, ce qui l'amènera à développer sa propre personnalité artistique.
La première année est consacrée à la conscience corporelle et vocale à travers un ensemble de techniques vocales, parmi lesquelles la méthode Fitzmaurice Voicework® se distingue. Cette méthodologie met l'accent sur la respiration, la vibration et la libération des tensions physiques et émotionnelles qui bloquent la voix. Par des exercices de tremblement, de respiration profonde et d'écoute intérieure, les élèves découvrent une voix plus organique, connectée au corps et à l'impulsion expressive. Ce premier contact est essentiel pour établir des bases solides permettant une émission vocale libre et disponible, propice au travail d'interprétation.
En deuxième année, la formation intègre la technique Roy Hart, qui élargit la conception traditionnelle de la voix et explore tout son potentiel expressif. S'appuyant sur les bases acquises en première année, cette discipline invite l'interprète à explorer des registres vocaux non conventionnels, à travailler sa voix comme un véhicule d'émotions intenses et à dépasser ses limites personnelles et sonores. Travailler avec Roy Hart favorise une voix audacieuse et créative, profondément liée à l'expérience émotionnelle de l'interprète, enrichissant ainsi sa présence scénique.
Outre le travail vocal, la diction catalane et espagnole occupe une place centrale tout au long du cursus. Une parfaite maîtrise des deux langues garantit une élocution claire, le respect du texte et la capacité de communiquer avec précision et nuance. Le travail sur la phonétique, l'articulation, l'accentuation et la musicalité de chaque langue permet à l'étudiant de s'adapter à différents contextes professionnels et styles dramaturgiques.
Enfin, l’importance de toutes ces disciplines réside dans leur complémentarité. Le travail de la voix, du corps et de la diction ne peut être appréhendé de manière fragmentée, mais comme un tout intégré qui soutient l’interprétation. Grâce à ce parcours de quatre ans, l’interprète acquiert des outils techniques et expressifs qui lui permettent de communiquer avec authenticité, conscience et puissance sur scène.
Mariona Esplugues, Responsable du département de la voix et de l'expression orale.
Pour nous, le théâtre musical est une discipline complète, qui allie rigueur technique et vérité scénique.
Le parcours de Théâtre Musical d'Eòlia est potentiellement déployé à partir de la deuxième année, bien qu'en première année tous les étudiants du Diplôme d'Interprétation travaillent sur la voix chantée et la théorie musicale dans des matières telles que Laboratoire de Chant, Langage Musical 1 et, à un niveau particulier, en Chant de Scène 1.
Le développement du cours s'articule autour de l'évolution historique du genre. Le répertoire utilisé en première année est essentiellement celui qui forme et exerce un type de sonorité plus proche du lyrique (appelé voix légitime) : Richard Rodgers, Irving Berlin, Gershwin, Leonard Bernstein, Kurt Weill. En deuxième année, les outils d'interprétation sont développés pour l'interprétation de chansons et le répertoire de l'âge d'or (son Broadway) est utilisé : Kander, Herman, Sondheim, Coleman. En troisième année, l'accent est mis sur le son moderne et le répertoire travaillé dans toutes les matières du cours est celui qui utilise le microphone et toutes ses possibilités esthétiques et techniques : Jason Robert Brown, Andrew Lippa, Lloyd Webber, Lin-Manuel Miranda, Jeanine Teasori, Anaïs Mitchell, Sarah Bareilles. En quatrième année, l'interprète consolide son autonomie artistique, prépare le TFG et teste toutes ses compétences dans des projets intégrés. Le cours aboutit à un artiste complet et polyvalent, prêt pour le contexte professionnel.
Notre expérience d'enseignement nous a montré qu'avant de maîtriser parfaitement son instrument vocal, l'acteur doit d'abord l'élargir et trouver la dimension ludique qui lui permet de l'apprécier sans appréhension. À cet égard, la première année de formation à l'école vise à aider l'interprète à sortir de ses pensées et à trouver son intuition la plus profonde, ainsi qu'une voix ample et saine. À partir de la deuxième année, les exigences augmentent (un test de niveau est prévu pour accéder à la mention « théâtre musical ») et nous demandons à nos étudiants une attitude professionnelle. En troisième année, avec le son moderne, nous commençons à travailler techniquement la virtuosité vocale. À partir de la quatrième année, nous comprenons que l'interprète a déjà une pleine conscience de son instrument et nous souhaitons qu'il prenne en main son cheminement artistique et explore sa voix avec un accompagnement rigoureux.
Le Centre Supérieur d'Art Dramatique Eòlia est né à l'apogée de la compagnie Dagoll Dagom, et en fait cette compagnie, avec Tricicle, ont été les fondateurs de l'école en 2000. C'est pourquoi le théâtre musical nouvellement créé en catalan est l'un des engagements du centre, qui se reflète dans les projets de fin d'études des étudiants de ce parcours et dans tout le matériel et les ressources pédagogiques que l'école met à disposition.
Nuria Sánchez et David Pinto, Responsables du département de théâtre musical.
L'interprétation devant la caméra a une spécificité particulière et différente des autres types d'interprétations. Connaître les différentes écoles de théâtre, les différentes manières d'aborder un scénario, les genres et sous-genres qui se réunissent dans tout produit audiovisuel est le premier des objectifs de cette filière de formation.
Du cinéma, de la télévision, des programmes de divertissement, des croquis, des clips vidéo, des courts métrages, etc. nous découvrirons comment améliorer, affiner et perfectionner les outils et techniques des élèves.
Nous basons notre marque pédagogique sur l'analyse et la visualisation des grandes interprétations de l'histoire du cinéma.
La connaissance exhaustive des grands moteurs du changement qui ont signifié pour le septième art un avant et un après dans le monde de l'interprétation.
Nous allons acquérir les connaissances nécessaires pour affronter la lecture et le défi d'un article, les mécanismes propres d'un tournage cinématographique et / ou télévisé et surtout, nous réaliserons des pratiques afin que l'étudiant apprenne à la première personne les ressources techniques nécessaires pour former être comme un acteur devant la caméra.
La Procédure Daulte est un processus de formation d'acteur qui est inclus comme bloc dans les matières d'acteur éolien, tant dans les études supérieures que dans les diplômes propres.
D’improvisations, la salle de classe devient un espace sûr pour explorer la liberté d’interprétation et inventer fiction et émotion.
L'imagination pour faire naître ce qui n'est pas encore là, l'engagement dans le jeu et le respect de ses coordonnées, la confiance et la complicité envers ce que l'altérité nous propose, deviennent le guide pour profiter d'une formation d'acteur éminemment ludique et pratique qui permet nous de reconnaître les talents d'acteur des actrices et des acteurs, de les explorer et de les valoriser.
La formation est un processus collectif qui permet d'identifier les aspects uniques de l'interprétation de chacun de ses membres. C'est un processus par lequel chaque actrice ou acteur élargit sa gamme émotionnelle et acquiert davantage d'outils pour jouer.
Les matières dans lesquelles la procédure Daulte est incluse sont : les systèmes d'interprétation 5, 6 et 7 (études supérieures) et l'interprétation 2 et 3 (FPA).
Carmen Poll, Coordonnateur de la formation Daulte.